Das Buch, das er dank dieser Erfahrung schreiben konnte, beginnt mit der Formatierung: von der Titelseite bis zu verschiedenen Szeneelementen. Dieser Teil sei zwar »ungemein wichtig, aber so richtig unterhaltsam ist er wohl nur für Pedanten«, sagt Schabeneck, und: »[d]ie darauffolgenden Kapiel wie Schreibstil, Präsentation eines Drehbuchs, Umgang mit potenziellen Käufern und die Struktur Hollywoods sind dann schon von allgemeinem Interesse«.

Der amerikanische Markt unterscheidet zwei Drehbucharten: das Drehbuch für die Produktion (production script oder shooting script) und das Drehbuch, das an den Produzenten verkauft wird (speculation script oder selling script). Letztere Variante wird in diesem Buch behandelt. Schabeneck betont, dass sich sein Buch an Menschen richtet, die die allgemeinen Prinzipien des Drehbuchschreibens bereits kennen. Sprich: wer mit seinen Drehbüchern auf dem amerikanischen Markt erfolgreich werden möchte und zu diesem Zweck die (derzeit herrschenden) Konventionen des amerikanischen Drehbuchs kennen lernen möchte, greife zu diesem Buch. Es gilt zu verhindern, vor professionellen Drehbuchlesern als unerfahrener Autor dazustehen und wegen mangelhafter Form, unpassendem Schriftsatz, schlechtem Englisch oder stilistischen Fehltritten von vornherein missachtet zu werden.

Wenn das Drehbuch am PC fertig ist, geht es gewissenhaft weiter: mit dem richtigen Papierformat und der richtigen Buchbindung (»Lochen Sie die Seiten mit einem (klobigen) amerikanischen Locher, der etwa ein viertel Zoll [1/4"] große Löcher in den Seitenrand macht«) oder der bebilderten Anleitung, wie die »Rundkopf-Muster(Beutel)klammer#5« konventionsgetreu im klobigen amerikanischen Loch umgebogen wird. Nun gilt es, das Drehbuch an den Agenten und anschließend mit oder ohne Agenten an die Produktionsfirma zu bringen: die schriftliche und telefonische Kontaktaufnahme. Im Anschluss hat der Autor Adressen von unabhängigen Produktionsfirmen, Agenten und Drehbuchwettbewerben untergebracht.

Schabeneck verbindet klare Regeln und Richtlinien sporadisch mit trockenem Humor (»Sogenannte Asiaten als Oriental zu bezeichnen gilt als unangebracht. Der Begriff Oriental eignet sich besser für Teppiche«). Viele Kapitel enden in einer stichwortartigen Zusammenfassung. Auf Erklärungen folgen stets großzügige und variantenreiche Beispiele, oft auch als »So nicht«-Beispiel. Die Buchseiten sind trotzdem sehr generös: alleine fünf Buchseiten bestehen nur aus Beispielen für Titelseitenvarianten.

Sehr detailliert, beinahe pedantisch geht Schabeneck vor: ob milimetergenaue Tabulatorposition, Seitenumbruch im Dialog, Zeilenabstände (deutlich gemacht mittels Steuerzeichen), Traumsequenzen oder die korrekte Bezeichnung von ethnischen Minderheiten – kein Formdetail bleibt ungeklärt, keine Fragen offen. Fragen, die sich oft nur während des Schreibprozesses auftun, und deren Antwort sich (dank der vielen kurzen Kapitel) im Inhaltsverzeichnis und dem Stichwortregister leicht finden lassen.

Martin Schabeneck hat ein übersichtliches, unterhaltsames und überaus präzises Buch geschrieben, das es dem Leser ermöglicht, ein Drehbuch nach Hollywood zu senden, das sich von denen der professionellen Schreiber der Writers Guild of America wohl nicht mehr unterscheiden lässt. Da kann sich der Agent oder Produzent eigentlich nur noch über den ungewöhnlichen Absender wundern.

Ein Produzent und Filmdozent über das Hollywood-Drehbuch

Das ist mit diesem Buch nicht anders. Der Titel ist diesmal Fiktionales Schreiben, also Dichtung und Prosa, Schreiben des Unwirklichen und Erdachten. Im stichwortartigen Untertitel verspricht das Buch folgenden Inhalt: »Geschichten erfinden / Schreiben verbessern / Kreativität steigern«. Diesen drei »grundlegenden Voraussetzungen« für das Schreiben eines Romans, Drehbuchs oder einer Kurzgeschichte »widmet sich« Fiktionales Schreiben.

Wie üblich frage ich an dieser Stelle nach den »Referenzen« des Autors. Von Ron Kellermann findet man auf Amazon.de nur dieses eine Buch. Macht nichts, denn er ist parallel freier Autor und Dramaturg und Lehrbeauftragter für Drehbuch und Dozent für Fiktionales Schreiben. Das macht doch Eindruck: ich lese quasi eine universitäre Vorlesung.

Ron Kellermann teilt sein Buch in vier Teile. In Idee und Geschichte stellt er zunächst die Frage nach der Bedeutung dieser beiden Begriffe und klärt es in kurzen, schlüssigen Artikeln. Man merkt: hier kennt jemand die Technik genau, und muss nicht mit umständlichen Sätzen und exotischen Fremdwörtern ums Wesentliche herumreden. Genauso bündig geht’s in Teil 2 Schreiben und Teil 3 Dramaturgie weiter. Teil 4 widmet sich einem Thema, das ich eigentlich gar nicht mehr erwartet hätte, das trotzdem konsequent ist: ein Exposé schreiben und das Werk anbieten. Mit einem sympatischen Kapitel »Geduldig sein und Daumen drücken« endet der Ratgeber.

Wer ständig irgendwelche Bücher übers Schreiben liest, wie ich, trifft zwangsläufig auf Wiederholungen. Dasselbe passiert, wenn man verschiedene Varianten zur Einführung in die Organische Chemie liest – die Grundlagen bleiben dieselben, es kommt auf den Lehrer an. Der Lehrer Ron Kellermann ist ein Praktiker: anschaulich, einfach, kreativ. Dass die Tendenz zum Drehbuch besteht ist angesichts seines beruflichen Werdegangs verständlich – und gerade für mich ideal.

Wer (zum ersten Mal) etwas über das Prinzip des Schreiben erfahren möchte, der greife zu diesem Buch. Ohne demotivierende Frasen wie: vom Schreiben kann man nicht leben. Und die Wahrscheinlichkeit ist groß, dass Sie es gar nicht erst schaffen. Stattdessen propagiert Kellermann Selbstdisziplin. Der wahre Schlüssel zum Erfolg.

Keine Versprechungen und keine Demotivation.

Tatsächlich sollte dieses Buch, wie die Autorin erzählt, zunächst eine Dissertation werden. Und tatsächlich scheint es von Beginn an ganz nach oben genanntem Schema zu laufen: Kaufmann beschäftigt sich mit dem Popularitätseinbruch des Liebesfilms Mitte des 20. Jahrhunderts, grenzt ihn vom Melodram und der Screw-Ball-Comedy ab und hinterfragt die Einordnung der Romantic Comedy als in erster Linie komödiantisches Genre. Dies geschieht mit Hilfe von Fremdwörtern, die ich erst einmal nachschlagen muss, Zitaten aus Fachbüchern (meist Englisch) und zahlreichen Filmverweisen (ebenfalls Englisch) – die der Leser möglichst kennen sollte, um der Argumentation von Kaufmann folgen zu können (Filmanalysen, u.a. auch von Anette Kaufmann: Reclam: Filmgenres Melodram und Liebeskomödie).

Der einführende Teil liest sich etwas zäh. Er dient aber ganz der »Annäherung an den Liebesfilm als Genre« und liefert damit die Grundlage für die folgenden Kapitel. Nachdem hier auch die klassische Periode der Liebesfilme besprochen wurde, konzentriert sich Anette Kaufmann von nun an hauptsächlich auf das »romantische Universum« der New Romance, die seit den späten 80ern mit Filmen wie When Harry met Sally den Kino- und Fernsehalltag beherrscht und Liebesfilme mit einer Bandbreite »von heiter bis ernsthaft/tragisch; von zeitgenössisch bis historisch, von Kinofilm bis Fernsehserie« umfasst.

Im »Romantischen Baukasten« werden die Zutaten (Erzählformeln, Standardsituationen) des Liebesfilms definiert. Kaufmann bezieht sich hier auf die Theorien anderer Filmwissenschaftler und setzt daraus ihre eigenen schlüssigen Erkenntnisse und Folgerungen zusammen. Der größte Teil des Buchs besteht aus Filmanalysen zur Romantic Comedy, dem Romantic Drama und dem Romantic Costume Film (komplettes Inhaltsverzeichnis). Diese wiederum stützen sich auf die zuvor erlernten »Spielregeln«.

Der Liebesfilm liest sich nicht immer einfach (Zitat: »Die Rückblende funktioniert [...] als monolithisch präsentierte Begründung für die Disposition des Helden«). Doch was mir zunächst ein schwieriger Text mit zahlreichen Querverweisen zu anderen Autoren zu sein schien, entwickelt sich zu einer wissenschaftlichen, aber unkomplizierten Schreibweise, die die persönliche Sichtweise der Autorin widerspiegelt (und gelegentlich einen unkonventionellen Kommentar preisgibt: etwa zu Clarc Gables »Knackarsch«). So ist es Anette Kaufmann ganz klar ein Bedürfnis, dem Liebesfilm und seinen Spielarten zur verdienten Anerkennung zu verhelfen.

Da gerade die Romantic Comedy und der Romantic Costume Film meine Lieblings-(Sub-)Genres sind, war es mir ein wahres Vergnügen, den Theorien und Analysen der erfahrenen Dramaturgin und Produzentin zu folgen und die Hintergründe des (von wissenschaftlicher Seite unterschätzten) Liebesfilms kennen zu lernen.

Wie funktioniert ein Liebesfilm?

Womit wir auch den Anlass einer Neuauflage hätten, die 35. Auflage bereits, diesmal in Neuer Deutscher Rechtschreibung. Nicht jedoch in neuer deutscher Grammatik. Diese ist seit einem halben Jahrhundert unverändert, wie zum Beispiel das Dativ-e, das heute nicht mehr gebraucht wird: 1. Lektion, Kapitel 3, Satzteile: »Bei dem Satze Der Schüler küsste das schöne Mädchen im Walde haben wir vorhin untersucht [...]«

»Nun also!« da stör’ ich mich nicht dran, denn die feine, wohl formulierte Sprache zu lesen macht richtig Spaß, es erinnert mich in »erquicklicher« Weise an Joseph von Eichendorff und Erich Kästner. 50 Jahre hin oder her: die Erklärungen sind denkbar einfach und amüsant: jede Lektion endet mit einer regen Diskussion zwischen Lehrer und Schüler, ein wissbegieriger und augenzwinkernder Austausch, bis der Leser selbst mit Aufgaben und Denkübungen gefordert ist.

Innerhalb von fünf Seiten werden Wortarten, Beugungen, Satzteile und Satzarten schlüssig und vor allem verständlich erklärt. Zum Kapitel Glanz und Elend des Fremdworts sei so manchem geraten, der seinen fremdwortlastigen Stil für ausgefeilt hält … und bitte kurze Sätze, keine Verschachtelungen. Dass der Genitiv vom Aussterben bedroht sei, ist nicht etwa eine Erfindung von Bastian Sick – Herr Reiners war sich dieser “Gefahr” schon damals bewusst.

Ach, wie gerne bekäme ich einmal eine wohl ausformulierte, persönliche und freundliche Mahnung, wie diese: »es geht uns wie Ihnen und wie heute allen: Wir sind knapp an Geld. Wir brauchen es für Löhne, für Einkäufe und für das unersättliche Finanzamt. Wir müssen Sie deshalb bitten: Schicken Sie uns den Gegenwert [...]«, statt solcherlei Drohungen: »nach Ablauf der Frist werden wir umgehend rechtliche Schritte gegen Sie einleiten«.

Ludwig Reiners war ein Meister des sachlichen-verständlichen, einfallsreichen Ausdrucks. Die Stilfibel ist auch heute noch ein wichtiges Buch, gerade weil es unverändert gebleiben ist – guter Stil ist rar.

Dieses Buch »erfordert nur das Wissen eines Volksschülers«

Katharina Bildhauer stellt einige Filme der letzten Jahre vor, die konventionelle Erzählformen durchbrachen und durch ihre ungewöhnliche Erzählstruktur den Zuschauer zu überraschen und fesseln wussten. Frau Bildhauer zeigt, wie die ungewöhnlichen Wendepunkte herausgezögert und umgesetzt wurden. Idealerweise ist man mit den Drehbüchern vertraut, kennt zumindest aber die Filme. Passend zum aktuellen Streik der Writers Guild in Hollywood zeigt Frau Bildhauer auch ganz unmittelbar und überzeugend, wie wichtig der Drehbuchautor und sein Buch für die Realisierung eines Films sind (die ganze Bandbreite ihrer Themen: das Inhaltsverzeichnis).

Doch bei alledem geht es der Autorin nicht um (die eigene) Erzählfreude. Dies ist ein zutiefst analytisches Buch, in dem kein einziges Textfragment einen überflüssigen Kommentar, eine kleine ironische Anmerkung oder gar eine Anekdote enthielte. Wie liest sich das Buch stattdessen? Ich greife jetzt einfach mal wahllos einen Satz aus dem Buch heraus, exemplarisch: »Der Vorwärtsdrang der Handlung sowie die Aktivität und Entwicklung des Protagonisten gehen mit einer generellen Forderung der Drehbuchratgeber nach Aktion und Bewegung anstelle von statischer Beschreibung einher.« Oder einen zweiten, ebenso zufällig: »Den vorangegangenen Drehbüchern ist eine Betonung der Fiktionalität immanent«

Ganz ehrlich: es macht mir keinen Spaß solche Sätze zu lesen. Ich habe das Buch trotzdem durchgearbeitet, denn es ist gut, auch wenn ich es regelmäßig mit einem Puuuh für einige Tage aus der Hand legen musste.

Dies ist eine Dissertation, offenbar ungekürzt und unvereinfacht, systematisch untersuchend, kräftezehrend. Zahlreiche Fremdwörter, bedingungsloser Nominalstil, ellenlange und komplizierte Sätze stellten meine Lern- und Lesefreude auf eine harte Probe. Manch einer wird vor Freude in die Luft springen: endlich mal ein Buch, das modernes Drehbuchschreiben mit dem gebührenden Ernst in Einzelheiten zerlegt.

Ich habe viel geschwitzt und einiges gelernt – und freue mich jetzt riesig auf ein unkompliziertes Buch mit einem überflüssigen Kommentar, einer kleinen ironischen Anmerkung oder gar einer Anekdote.

Tolles Thema, schwer zu lesen

Dass das Schriftstellerdasein kein zurückgezogenes, luxoriöses Leben in Südfrankrich verspricht, ist jedem klar, der den einen oder anderen Autorenratgeber schon überflogen hat. Trotzdem wird natürlich auch Wolfgang Bittner nicht müde, dies zu erwähnen. Auch wird man hier nicht fündig, wenn man technische Tipps sucht: zum richtigen Stil, der besten Erzählerform oder Perspektive.

Herr Bittner (sind das seine haarigen Männderhände auf dem Cover?) hat ein mit Zitaten gespicktes Buch geschrieben, das den Beruf Schriftsteller definiert, ebenso wie dessen oftmals nur gesagte Freiheit. Er nennt dabei jene Faktoren, von denen der in der Schriftsteller tatsächlich leben kann (denn das Buch ist meist nur ein recht ertragsloses Nebenprodukt), wie seine Honorare aussehen und was im Jahr übrigbleibt. Schließlich spricht er die Literaturförderung und die Künstlersozialkasse an und legt großen Wert auf die Lesung.

Dabei bleibt Bittner selbst stets sachlich und lässt Emotionen und Meinungen durch Zitate sprechen.
Die bringen ihn auch wieder auf seinem Weg zurück, wenn er abtriftet – so wie im Kapitel »Ein Text wird gemacht«, als er eigentlich über die Technik des Schreibens und den Stil sprechen will, und sich stattdessen über unnötige Neuerscheinungen und zu viel Anglizismus ärgert.

Zuletzt stellt er die Frage: Ist »Schriftsteller« ein überflüssiger Beruf? Vielleicht, mutmaßt er, »stirbt der Beruf des Schriftstellers aus wie der des Märchenerzählers oder Bänkelsängers«. Diese Androhung schwingt im Ton des ganzen Buchs mit, welches das ertragslose, ungerechte Dasein des Schriftstellers noch stärker als die meisten anderen herausstreicht.

Ein großer Batzen Realismus, empfehlenswert für jeden mit Hoffnungen auf ein selbstgeschriebenes Vermögen. Und: wer dieses Buch durchliest und immer noch Schriftsteller werden will, der kann sich seiner Sache zumindest sicher sein.

Armer, armer Schriftsteller …

So laut Zitat von Thomas Mann, das anstatt einer Inhaltsbeschreibung auf dem Buchdeckel zu lesen ist.
Thomas Mann? Ist er nicht schon seit über 50 Jahren tot? Ob der Herausgeber Otto Schumann oder einer seiner Beitragsschreiber leben oder tot sind, habe ich bei meiner kurzen Recherche diesbezüglich nicht herausgefunden. Ein bisschen angestaubt ist das Buch jedenfalls geschrieben.

Auf einer Breite von 6 cm und – auf die Seitenzahl genau – 700 Seiten soll dieses Buch das Handwerk (und die Betonung liegt auf Handwerk!) des Schreibens lehren. Sechs große Kapitel gibt es: die (erzählende) Prosa, das (lyrische) Gedicht, das Schreiben fürs Theater, für den Rundfunk, für das Drehbuch und schließlich für das Wissenschaftliche Manuskript. Möchte man also lediglich das Handwerk des Romanschreibens lernen, so bietet dieses Buch im engeren Sinne 49 und im weiteren Sinne 120 Seiten dazu.

Schreiben ist ein mühsames Handwerk. Und wie bei jedem Ratgeber für Autoren vergeht nicht der erste Satz, ohne dass erwähnt wird, dass die meisten von ihrer Schriftstellerei allein nicht leben können. Hier schreiben Autoren (ob sie davon leben können, weiß ich nicht) über ihr jeweiliges Fachgebiet: präzise und vor allem lehrreich. Was dabei etwas auf der Strecke bleibt ist die Unterhaltung. Gerne mal sind die Sätze übermäßig lang und kompliziert, lehrmeisterhaft, auch schlicht langweilig.

Thomas Mann hatte mit seinem sachlichen Urteil des Buches (obwohl er es augenscheinlich nicht gelesen hat) augenscheinlich absolut recht. Andererseits: was stünde es mir auch zu, Thomas Mann unrecht zu geben …

Handbuch des klassischen Schreibhandwerks

Die Frage ist, ob ‘So finden Sie einen Verlag für Ihr Manuskript’ auch wie versprochen zur Verlagsveröffentlichung führt.
Natürlich nicht. Die Autorin verspricht im Vorwort lediglich, an das Veröffentlichen allgemein heranzuführen – was auch im Internet sein kann, wo man ja niemanden um Erlaubnis fragen muss. Nein, einen hoch dotierten Vertrag in einem renommierten Verlagshaus kann dieses Buch nicht garantieren.
Kein Buch kann das.

Sympathisch ist, wie Sylvia Englert ihre Kompetenzen und die Bemühungen aufzeigt, die sie unternommen hat, um mit diesem Ratgeber auch eine wirkliche Hilfestellung leisten zu können. Sie teilt ihr Buch in drei Abschnitte: Der Weg zur Veröffentlichung enthält ein paar Schreibtipps, zeigt aber vor allem, dass die Konkurrenz nicht schläft, wie Kontakte hergestellt und genutzt werden und natürlich in welcher Form das schriftliche Material (Normseite etc.) eingeschickt werden sollte – super ist, dass es dazu auch Muster gibt.

Der zweite Abschnitt führt uns in die wundervolle Lage “Die Zusage ist da – was nun?”, in dem die internen Verlagsabläufe geschildert werden, aber auch rechtliche Fragen zum Honorar, der Steuer oder dem Urheberrecht geklärt werden. Auf den Boden der Tatsachen zurück holt etwa das Kapitel “Wie lange lebt Ihr Buch?”. Der letzte Abschnitt dreht sich um die Selbstvermarktung und erwähnt auch sonst alles, was zuvor nicht reingepasst hat. Hier werden u.a. (Online-)Literaturzeitschriften, Schreibworkshops und Autorengruppen vorgestellt und die Planung öffentlicher Lesungen beschrieben.

Sylvia Englert schreibt leicht verständlich, direkt und sympathisch. Außerdem ist sie ehrlich bemüht, ihren Lesern einen realistischen Einblick in die gern romantisierte Verlagswelt zu geben. Ein übersichtliches Buch mit vielen Themenpunkten (auch Selbstverlag oder Druckkostenzuschuss finden Platz!), Tipps, Adressen und Beispielen.

Kontake, Agenuren, Normseite einrichten – das volle Programm

Durch die ständige Beschäftigung mit (fiktiven) Geschichten im Kopf entstehen Bilder und Charaktere, die miteinander agieren, sich an erdachten Schauplätzen aufhalten und dem Autor so Ideen für die Handlung bieten. Beim Drehbuchautor kommen sogar noch imaginäre Kameraeinstellungen und Filmmusik hinzu. Nicht jeder kann die Augen zumachen und einfach in andere Welten und Menschen eintauchen. Aber: es gibt bekanntlich kaum etwas, was sich nicht erlernen lässt.

Wie vor ihr schon Linda Seger (Emons Verlag: ‘Wie gute Autoren noch besser werden’) möchte Christina Kallas in ihrem Buch das kreative Schreiben lehren. Dabei geht sie zunächst sachlicher und wissenschaftlicher vor als ihre einstige Lehrerin. Der Zusatz “kreativ” stellt klar, dass der Schwerpunkt nicht auf den Grundlagen des Drehbuchschreibens, sondern auf dem kreativen Prozess liegt.

Frau Kallas führt über die klassische Drehbuch-Ordnung von Prolog bis Epilog (oder hier: statt Epilog ein Plädoyer an das Selbstbewusstsein des Lesers/Drehbuchautors!) in das Drehbuchschreiben mit emotionaler Tiefe ein. Besonders im Kapitel “Mitte” hält Kallas, ähnlich wie Seger, zahlreiche kreative Übungen bereit – zeigt wie das Gehirn Musik und Bilder zum Leben erweckt, Konfliktsituationen, spannende Wendungen und Emotionen erdenkt, Welten erschafft.

Wer fürchtet, die strenge wissenschaftliche Form könne der Kreativität etwas anhaben, sei unbesorgt. Frau Kallas gelingt es, Kunst und Techniken des kreativen Schreibens klar abzustecken und dabei der Originalität sehr viel Platz einuzräumen, indem sie Filme zum Vergleich herbeizieht und zu zahlreichen Übungen anregt. Kallas steht in ‘Kreatives Drehbuchschreiben’ im ständigen Dialog mit dem Leser, fordert, instruiert und fasziniert mit Branchenwissen und unmittelbaren Anleitungen.

kreatives Konzipieren, Assoziieren, Schreiben!

Eben dies ist auch das Hauptthema des Buches. Hier findet der Leser verhältnismäßig wenig Tipps dazu, wie erfolgreiche Bücher geschrieben werden. Meynecke beschreibt dagegen im Detail, wie ein Manuskript optisch gestaltet werden sollte damit es vom Lektor beachtet wird, erklärt besonders intensiv wie die Vertragsverhandlungen ablaufen, was ein Autor auf der Buchmesse verloren hat und welche Stationen das Buch im Verlag absolviert. Er erklärt plausibel, wieso Ablehnungen vom Lektor nicht diskutiert werden, wo die Fehler liegen könnten und wie man mit diesem Rückschlag umgeht, interessant ist auch welchen Einfluss die Vertreter auf die Veröffentlichung eines Buches haben. Mit dem Inhalt des Manuskripts befassen sich dagegen nur drei oder vier Unterkapitel. Vorgehensweisen für Belletristik und Sachbuch definiert Meynecke nahezu parallel.

Im Grunde ist das gut so, denn das erledigen ja zahlreiche andere Ratgeber auf mehr oder weniger zufriedenstellende Weise. Trotzdem ist der Titel “Von der Buchidee zum Bestseller” falsch gewählt, denn er verspricht mehr als die reine Beschreibung von Vertragsverhandlungen und verlagsinternen Abläufen. Ein weiterer Kritikpunkt ist, dass die erste Auflage 1991 gedruckt wurde. So ist diese Ausgabe zwar überarbeitet, dennoch ist so manches antiquiert – etwa die Diskussion, ob man heutzutage mit PC oder Schreibmaschine schreibt, oder dass neuerdings auch Disketten (was ist eine Diskette?) zum Lektor geschickt werden. Aber dazu passt wiederum die Umschlagabbildung sehr gut: antiquarische Bücher mit angestoßenen Ecken, die im diffusen Licht vom Himmel fallen – auch das sollte mal überarbeitet werden.

Dennoch ist dies ein Werk, das einen sehr realistischen Zugang zum Buchgeschäft bietet – manch einer wird beim Anblick der durchschnittlich zu erwartenden Autorenhonorare von der Idee der Schriftstellerei ablassen. Eines wird ganz deutlich: Ein Verlag ist kein verträumter Künstlerverein, sondern ein durchstrukturiertes Unternehmen, das Profit machen will. Und der unbekannte Autor sollte gleichfalls kein weltfremder Literat sein, wenn er einen Bestseller produzieren will. Nicht von ungefähr hat Joanne Rowling den Ruf, eine ausgesprochen gerissene Geschäftsfrau zu sein.

Mein Buch und sein Weg vom Verlag zum Leser

Aber da gibt’s auch Schattenseiten. Wenn der Erstling sich nicht gut verkauft. Oder erst nach vielen fruchtlosen Versuchen und eher lustlos angenommen wird. Oder aber wenn einen plötzlich jeder Dahergelaufene anbiedernd anspricht, und das selbst ohne Inhalt oder Titel des Buches zu kennen.

Die Autoren bemerken auch, wie sie und ihre Schreibe sich über die Jahre (ausgewählt wurden nur Debüts vor 1995) verändert hat, und wie schwer es ihnen heute fällt, das Alte zu lesen, ohne zwanghaft den Korrekturstift zu Hand zu nehmen. Vor allem aber erzählen sie, wie es überhaupt dazu kam, das sie Lyrik und Prosa schreiben wollten, und natürlich wie das meist “ungefragte” Produkt dann doch in der Druckerei landete.

Mit dabei sind Siegfried Lenz, Günter Grass, Elfride Jelinek und viele andere – gemeinsam erschaffen sie einen sowohl amüsanten als auch lehrreichen Kurzgeschichtenband, dessen Anekdoten nicht nur angehende und bestehende Autoren faszinieren wird – die kurzen Geschichten bieten zudem einen hervorragenden Überblick über großartige Autoren der Nachkriegsliteratur und Postmoderne.

Auch Bestsellerautoren und Preisträger fangen klein an

Diesen Weg nämlich geht ein Drehbuch, bevor das Resultat bis zu zwei Jahre später im Fernsehen oder Kino zu sehen ist, eine halbe bis anderthalb Stunden Unterhaltung (oder auch nicht), ein Produkt monate- und jahrelanger Arbeit. Der Anfang ist ähnlich wie beim herkömmlich verlegten Buch. Meist ungefragt wird das Drehbuch zu einer Produktionsfirma gesandt. Diese feilt dann, falls der Stoff was taugt, gemeinsam mit dem Autor am Exposee. Und wenn alles gut geht, folgt die oben beschriebene Prozedur. Damit’s klappt, sollten die Handgriffe von der Darstellung der ersten Idee übers Exposee bis zum Konzept (falls es um eine Serie geht) sitzen.

Fürs Drehbuchschreiben gibt es zahlreiche Veröffentlichungen. Nicht so für die (jedenfalls für die meisten Drehbuchautoren) obligatorischen Vorstufen. Dennis Eick hat diese Aufgabe übernommen und zeigt (vor allem Einsteigern) Form, Stil, Präsentation usw. von Exposee, Treatment und Konzept. Es bleibt nicht bei der Theorie: Die drei Hauptkapitel werden jeweils mit einem Beispiel abgeschlossen, so etwa das Original-Treatment des Films “Napola” und das Exposee zu “Lola rennt”. Zum schnellen Nachschlagen ist stichwortartig zusammengetragen was das jeweilige Schriftstück beinhalten muss.

Spannend und pragmatisch geschrieben – wie für Drehbuchautoren üblich – mit vielen Hinweisen und Links versehen, ist dieses Buch eine unverzichtbare Lektüre für alle die es ernst meinen und realistisch sind.

So erreicht mein Drehbuch den Zuschauer!

Wie die Branche aussieht, soll uns dieses Buch zeigen. Geschrieben von einem Dozenten der HFF München und Drehbuchschreiber (was er “der Vollständigkeit halber” auch nicht müde wird, zu erwähnen) führt es den Leser von den etablierten Serienstoffen (und deren Geschichte und Vertreter) über das aktive Schreiben eines Seriendrehbuchs bis zum Einstieg in den Beruf.

Dies ist für alle, die (Serien-)Drehbuchschreiben ernsthaft in Betrachtung ziehen eine spannende Einführung, es irritiert lediglich die Angewohnheit des Autors alles in Klammern zu setzen, auch da wo – grammatisch – keine sein dürften, vor allem Ausrufezeichen, oder auch mal ein elitäres “sic!”. Auch kleinere Recherchefehler verzeiht man gern (etwa: Bill Cosby in der “Bill Cosby Show” habe “zwei wunderbare Kinder” – eigentlich sind es fünf (sic!)).

Dieses Buch hält vor allem für Einsteiger tolle Tipps bereit und regt an, sich einige der Serien-Geheimtipps auf DVD auszuleihen (nicht nur zu Studienzwecken), und – natürlich – das erste eigene Serienkonzept auszuarbeiten.

Ich schreibe die nächste “Lindenstraße”!